"mona lisa ( La Gioconda )"

Leonardo Da Vinci - Óleo sobre tabla - 77 x 53 cm - 1519 - (Musée du Louvre (Paris, France) 
la mona Lisa ( La Gioconda o la gioconda , o retrato de lisa gherardini , esposa de francesco del giocondo es un half-length retrato de un mujer por el Artista italiano LEONARDO DA VINCI , que tiene estado aclamado como " el mejor conocido , el más visitó , el más escrito trata , el más cantado trata , el más parodiado trabajo de arte en el mundo . 

" La pintura , pensó en ser un botas retrato lisa gherardini de , la esposa de francesco del giocondo , está en el petróleo un álamo el panel , y es que se cree que han sido pintado entre 1503 así como 1506 . 

Lo fue adquirido por el rey Francisco Por lo Francia y es ahora el propiedad de el francés República , en permanente pantalla en el Museo du Louvre de París . 

La ambigüedad de los subject's expresión , con frecuencia se describe tan enigmática , la monumentalidad de los composición , el sutil modelado de formas y el ilusionismo atmosféricas se han novela cualidades que tienen contribuido a la continuo fascinación y estudio de los trabajo . 

El painting's título de mona Lisa tallos desde un descripción por giorgio vasari : " Leonardo comprometía pintar , francesco del giocondo , el retrato de mona lisa , su esposa . . . . " en italiano , massachusetts dona herramienta mi señora . Esto se convirtió en virgen , y es contracción mona . 

Mona por lo tanto era un educado forma de dirección , similar a Ma’am , Señorita , o mi señora en Inglés . Aunque tradicionalmente espelta " Mona " ( tal como se utiliza por vasari ) , en la moderna Italiana , este corto forma de madonna es ahora por lo general espelta Mamá . El título es, por lo tanto a veces dada asmonna Lisa , pero esto es raro en inglés . " mona lisa " es el normal ortografía en la moderna Italiana .

Fuente del texto: wahooart 

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Retrato de Miss Dolly de Toulouse Lautrec

Retrato de Miss Dolly de Toulouse Lautrec

Henri Toulouse Lautrec pintó numerosos retratos de mujeres a lo largo de su vida. Pero generalmente son retratos en otras escenas más amplias, como por ejemplo en su cuadro En el Moulin Rouge, e incluso como parte destacada de sus famosos carteles. Sin embargo, en muy pocas ocasiones hizo un retrato como este de Miss Dolly, donde el rostro de la chica llena prácticamente toda la imagen.

El cuadro hoy en día está en el Museo de Toulouse Lautrec de su ciudad natal, Albi. Pero no lo hizo allí, ya que sabemos toda la historia de esta obra.

Fue en 1899, en un año en el que el pintor había pasado un tiempo recluido en un hospital psiquiátrico para tratar sus crisis y su alcoholismo. De modo que decidió emprender un viaje junto a un familiar. Y estando en la ciudad portuaria de Le Havre, en el norte de Francia para embarcar rumbo a Burdeos, entró a una taberna donde conoció a esta mujer que trabajaba allí de camarera y bailarina.

De manera inmediata, el artista quedó deslumbrado por la muchacha, y allí mismo le hizo este retrato.

Es un óleo en el que se ve la pincelada suelta y precisa de Toulouse Lautrec. Todo la superficie lo ocupa la cabeza y el busto de la chica, cuya tez blanca y cabellos dorados destaca de una forma grandiosa sobre el fondo azulado y repleto de formas geométrica. Una geometría que da más protagonismo a las líneas curvas de la nariz, la boca, el pañuelo o los rizos del pelo. Magistral. Y por si fuera poco también hay un juego de azules entre el fondo, el vestido de Miss Dolly y sus dos ojos hacia el centro de la composición.

Es cierto que la obra es un óleo pintado sobre una tabla de madera, pero la apariencia es casi de acuarela y de dibujo, debido a la gran disolución de la pintura y las líneas que marcan siempre el estilo de este pintor. El cual aquí se nos muestra extraordinariamente fresco y capaz de retratar esa belleza de mujer y trasladarnos la idea de una personalidad muy alegre.

Estamos ante uno de los mejores retratos de este artista, que aquí sin renunciar a los elementos más característicos de su arte: líneas, sinuosidad, dinamismo,… nos muestra una mujer que con solo mirarla sabemos que es toda una seductora. Y además de eso, los historiadores del arte ven en esta obra ciertos detalles que avanzan otros estilos de vanguardia, como el precubismo que vemos en ese fondo de formas geométricas o la espontaneidad y fuerza que luego se verá en el Expresionismo.

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Mujer leyendo una carta

Mujer leyendo una carta

Gabriël Metsu

• Fecha: c.1664 - c.1666
• Estilo: Barroco
• Género: escena de género
• Media: óleo, madera
• Localización: Galería Nacional de Irlanda
• Dimensiónes: 40,2 x 52,5 cm

Mujer leyendo una carta es una obra del pintor holandés Gabriël Metsu. Se trata de un óleo sobre lienzo, que mide 52,5 cm de alto y 40,2 cm de ancho.

Fue pintado hacia 1662-65 y se encuentra en la Galería Nacional sita en Dublín (Irlanda). Se trata de una escena de género protagonizada, realizada como pareja o pendant de otro cuadro de Metsu también conservado en la Galería irlandesa: Hombre escribiendo una carta.

Se supone, estando ambos cuadros juntos, que la carta que ella lee es la que antes le ha escrito su esposo, que se encuentra de viaje. En este sentido, el cuadro que se ve detrás de la cortina verde que la sirvienta descorre, puede dar la clave: él se encontraría lejos, tras un viaje por mar, que siempre es azaroso.

Entre ambas mujeres aparece un perro, animal que siempre ha sido considerado ejemplo de fidelidad, que puede ser la intención moralizante de la obra.

https://es.wikipedia.org/wiki/Mujer_leyendo_una_carta_(Metsu)

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Desnudos femeninos de Serge Marshennikov

Serge Marshennikov (Imágenes)

A veces podemos pensar que en el panorama del arte actual únicamente aparecen obras de carácter abstracto, con técnicas muy novedosas y donde la tecnología cumple un papel protagonista. Sin embargo no siempre es así. Y una buena muestra podrían ser las creaciones artísticas del pintor ruso Serge Marshennikov.

Desnudo femenino de Serge Marshennikov

Marshennikov, nacido en 1971, es básicamente un pintor, en el sentido más tradicional del término. De hecho, desde niño sintió pasión por los pinceles y comenzó muy pronto su formación artística, en la que rápidamente destacó por la calidad de sus acuarelas y pasteles, para posteriormente pasarse a trabajar los óleos.

Los premios no tardaron en llegar y tampoco sus primeras exposiciones, así hasta el día de hoy en el que su obra es tremendamente cotizada. Y todo ello basado en una temática bastante convencional, la belleza femenina con toda su sensualidad.

Un tema del que se han ocupado infinidad de pintores a lo largo de la historia, cada uno con su propio estilo artístico y con los cánones estéticos de su época y lugar de procedencia. Pues bien, Serge Marshennikov lo hace planteándonos desnudos absolutamente hiperrealistas, que por momentos parecen ser fotografías. Pero no. Son pinturas.

Se trata de auténticos retratos de mujeres jóvenes, esplendorosas y hermosas, que a veces muestran todo su cuerpo desnudo, y en la gran mayoría de las ocasiones juegan con telas, ropas o el cabello para insinuar, tapar y provocar. O sea, sensualidad y también sexualidad pura.

Otro desnudo de Marshennikov

El Hiperrealismo define el arte los lienzos al óleo de este pintor. Una corriente artística con grandes pintores durante el siglo XX, como el español Antonio López autor de paisajes urbanos y minuciosos retratos. Y también con grandes artistas en este siglo XXI, como el norteamericano Jeremy Lipking, del cual en más de una ocasión se ha declarado admirador el propio Marshennikov.

Si bien los historiadores ven que es un artista muy influido por las obras del británico Lucien Freud, quién realizó numerosos desnudos, incluyéndose a sí mismo. Aunque en obras como Pintor trabajando, reflejo, se ve que el realismo de Freud es mucho más que una copia de la realidad.

Y además de Lucien Freud, otra influencia clave es el pintor americano Andrew Newell Wyeth, cuyo realismo le convirtió en uno de los artistas de su país en el pasado siglo XX y fue conocido por el «Pintor del Pueblo».

Aunque tampoco hay que despreciar una influencia clave y más local: el arte ruso del siglo XIX, tremendamente realista. Pero Serge Marshennikov le ha dado un giro de vuelta a eso, y su representación de las modelos es absolutamente fiel a la verdad, eso sí, convertidas en una obra de arte no solo por su habilidad para captar cualquier ínfimo detalle sino también por su extraordinario tratamiento de la luz y el preciosismo del color.

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Cristo en el seno de Abraham

Siglo XVII. Óleo sobre lámina de cobre, 26 x 20 cm. 

Ficha técnica

Autor Francken II, Frans (Taller de)
Título Cristo en el seno de Abraham
Fecha Siglo XVII
Técnica Óleo
Soporte Lámina de cobre
Dimensión Alto: 26 cm.; Ancho: 20 cm.
Procedencia Colección Real